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La forma en que Ferrari acorrala al espectador
Friday May 09th 2008, 7:38 pm categoría: Artistas, Exposiciones, Procesos y Procedimientos de Arte
Friday May 09th 2008, 7:38 pm categoría: Artistas, Exposiciones, Procesos y Procedimientos de Arte
Ahora vamos a abordar la obra de León Ferrari, a propósito de su exposición en la galería Braga Menéndez, desde otro punto de vista: desde su condición de objetos dispuestos.
Los objetos elegidos para esta exposición son secuelas (variaciones) de otras obras anteriores realizadas como experimentaciones con plástico expandido, mezclado con objeto pre-existentes (sillas e instrumentos) en un ready-made recurrente. Esta lectura de obras pretende avivar la antinomia representación – presentación.
Como ustedes pueden ver en la foto estas obras (los músicos) están dispuestas en una gran sala blanca evitando las murallas, describiendo un semicírculo. Desconozco si esta decisión fue tomada de acuerdo entre el artista y la galerista, lo relevante es su efectividad. Hace innecesaria la lectura simbólica de sus componentes, de las intenciones del artista, de las relaciones cromáticas y todas esas costumbres analíticas curatoriales renacentistas (figurativamente hablando!).
Pero la consecuencia es sorprendente: las obras, en conjunto y debido a su montaje, ocasionan un comportamiento del espectador, la sensación de valla es inevitable. No hay relato, hay un acto único donde solo ocurre una cosa: el acto social está (físicamente) contenido por los hitos que son su excusa. A diferencia de muchas otras inauguraciones acá la obra expuesta no puede ser obviada, son un obstáculo en el movimiento sobreviviendo el comentario intimante que los relativiza y los agrega a una conversación que no los necesita. Esto es Dingpolitik, política de los objetos que obligan al comportamiento.
Es divertido – me dice Paula cuando ya nos vamos – como este viejo se caga de la risa de todo. No solo eso, contesto yo (superlativo), se ríe de todo y nos coloca en su exposición. El espectador es un objeto del artista.
Jorge Sepúlveda T.Curador IndependienteMayo de 2008.
Los objetos elegidos para esta exposición son secuelas (variaciones) de otras obras anteriores realizadas como experimentaciones con plástico expandido, mezclado con objeto pre-existentes (sillas e instrumentos) en un ready-made recurrente. Esta lectura de obras pretende avivar la antinomia representación – presentación.
Como ustedes pueden ver en la foto estas obras (los músicos) están dispuestas en una gran sala blanca evitando las murallas, describiendo un semicírculo. Desconozco si esta decisión fue tomada de acuerdo entre el artista y la galerista, lo relevante es su efectividad. Hace innecesaria la lectura simbólica de sus componentes, de las intenciones del artista, de las relaciones cromáticas y todas esas costumbres analíticas curatoriales renacentistas (figurativamente hablando!).
Pero la consecuencia es sorprendente: las obras, en conjunto y debido a su montaje, ocasionan un comportamiento del espectador, la sensación de valla es inevitable. No hay relato, hay un acto único donde solo ocurre una cosa: el acto social está (físicamente) contenido por los hitos que son su excusa. A diferencia de muchas otras inauguraciones acá la obra expuesta no puede ser obviada, son un obstáculo en el movimiento sobreviviendo el comentario intimante que los relativiza y los agrega a una conversación que no los necesita. Esto es Dingpolitik, política de los objetos que obligan al comportamiento.
Es divertido – me dice Paula cuando ya nos vamos – como este viejo se caga de la risa de todo. No solo eso, contesto yo (superlativo), se ríe de todo y nos coloca en su exposición. El espectador es un objeto del artista.
Jorge Sepúlveda T.Curador IndependienteMayo de 2008.
Long March Space4 Jiuxianqiao Rd (Factory 798), Beijing China 100015Tues - Sun 11:00 am - 7:00 pmhttp://www.longmarchspace.com
Long March Space
Zhan Wang‘Garden Utopia’ – Solo ExhibitionMay 11 - May 21, 2008National Art Museum of China, Beijing‘Sculptural’ Intervention – ConferenceMay 12, 2008Organized by Sculpture Research Center, Central Academy of Fine Arts’86 Divinity Figures’ – New Project InitiationMay 13 - June 4, 2008Long March Space, Beijing
National Art Museum of China1 Wusi Dajie, East District, Beijing, China, 1000109:00 am - 5 pm (No Entry after 4:00 p.m.)http://www.namoc.org
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¡¤Seeking Space for Spirit: Li Zhen's Sculptures
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¡¤SYNTHETIC TIMES ¨C Media Art China 2008¡¤Gerhard Richter. Paintings 1963 - 2007¡¤Living Landscapes: A Journey through German Art
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=2008.1.1%20and%20¿ªÊ¼Ê±¼ä2008 =2007.1.1%20and%20¿ªÊ¼Ê±¼ä2007 =2006.1.1%20and%20¿ªÊ¼Ê±¼ä2006
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Xia Yuxiang's Calligraphy and Photography 2008.04.27 TO 2008.05.06Halls 2 & 3
Oil Paintings by Duan Zhengqu and Duan Jianwei 2008.04.23 TO 2008.05.03Halls 19, 20
Sculptures and Sketches by Li Weisi 2008.04.18 TO 2008.04.27Hall 5
Facing the Reality: Chinese Contemporary Art 2008.04.09 TO 2008.04.26Halls 7,9 Facing the Reality: Chinese Contemporary Art 2008.04.09 TO 2008.04.26Halls 7,9
Art Exhibition in Memory of the 100th Anniversary of the Birth of Guo Weiqu2008.04.07 15:00 TO 2008.04.15 12:00Halls 1, 2, 3
Creating Art and Vessels of Art: Contemporary Taiwan Ceramic Art2008.04.03 TO 2008.04.20Halls 19, 20, 21 
Exhibition of Recent Works by Four Old Painters ¡ª¡ª Zhang Qinruo, Wen Lipeng, Ma Changli and Zhang Ch...2008.03.28 TO 2008.04.10Hall 4
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·SYNTHETIC TIMES – Media Art China 2008·Gerhard Richter. Paintings 1963 - 2007·Living Landscapes: A Journey through German Art
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Seeking Space for Spirit: Li Zhen's Sculptures 2008.04.28 To 2008.05.11Hall 5
About the Exhibition
Seeking Space for Spirit will be the first exhibition in Beijing by Taiwan sculptor Li Zhen, who successfully held an exhibition called Energy in the Void at the 52nd Biennial Exhibition in Venice in 2007. It will show about thirty masterpieces from different periods of his career since 1998, such as The Carefree Country, Guanyin Riding a Dragon and Mimi, as well as his latest works in 2008. His study of Buddhist and Taoist classics explains his interest in nature and self-cultivation, and his awareness of the present day has led to the attempt to invent an unconventional and individualized language of sculpture. His works show the flexibility of oriental philosophy by connecting the zen-style tranquility with amusing innocence, and simplicity with natural charm.
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Seeking Space for Spirit will be the first exhibition in Beijing by Taiwan sculptor Li Zhen, who successfully held an exhibition called Energy in the Void at the 52nd Biennial Exhibition in Venice in 2007. It will show about thirty masterpieces from different periods of his career since 1998, such as The Carefree Country, Guanyin Riding a Dragon and Mimi, as well as his latest works in 2008. His study of Buddhist and Taoist classics explains his interest in nature and self-cultivation, and his awareness of the present day has led to the attempt to invent an unconventional and individualized language of sculpture. His works show the flexibility of oriental philosophy by connecting the zen-style tranquility with amusing innocence, and simplicity with natural charm.
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Past Exhibitions >> Exhibition of Sun Jiabo¡¯s Sculptures
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Exhibition of Sun Jiabo¡¯s Sculptures2008.03.27 To 2008.04.05Hall 5
About the Exhibition
Merely a teacher in the Central Academy of Fine Arts, I have made some sculptures out of sheer personal interest in my spare time. Having neither intended them to please the public nor wanted to be an avant-gardist of modern art for myself, I do this only for fun. Personally, these sculptures of mine are rather ¡°traditional¡±, though orthodox gilds may not think so. And they are far from being called avant-garde works. Maybe it would be better to label them as ¡°neither-nor¡± sculptures.
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Exhibition of Sun Jiabo¡¯s Sculptures2008.03.27 To 2008.04.05Hall 5
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Merely a teacher in the Central Academy of Fine Arts, I have made some sculptures out of sheer personal interest in my spare time. Having neither intended them to please the public nor wanted to be an avant-gardist of modern art for myself, I do this only for fun. Personally, these sculptures of mine are rather ¡°traditional¡±, though orthodox gilds may not think so. And they are far from being called avant-garde works. Maybe it would be better to label them as ¡°neither-nor¡± sculptures.
News
2008
Feng Jinsong art exhibition opens [2008-05-05]
Thirteen painters open traditional Chinese painting exhibition [2008-04-30]
Duan Zhengqu and Duan Jianwei hold an oil painting exhibition [2008-04-30]
Zhang Rongqing holds calligraphy exhibition [2008-04-21]
Ikuo Hirayama art exhibition opens [2008-04-21]
134 Chinese Olympic champions ¡°meet¡± at the Museum [2008-04-17]
Two female artists¡¯ exhibitions open [2008-04-16]
Changzhou artists open calligraphy and seal cutting exhibition [2008-04-15]
artrtistic Vessels and Artistic Innovation Exhibition mirrors the history of ... [2008-04-15]
Chinese and Austrian museums hold Chinese contemporary art exhibition [2008-04-11]
Gerhard Richter's first large-scale exhibition is set to open in May [2008-04-07]
"Living Landscapes:A Journey through German Art" will be show in May to July [2008-04-07]
An international new media exhibition is set to open in June [2008-03-31]
Wang Jingheng donates 100 paintings during his exhibition [2008-03-31]
Huang Meiyao opens his ceramics exhibition [2008-03-31]
[]
Head Up 1 2 Down Tail
2008
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Zhang Rongqing holds calligraphy exhibition [2008-04-21]
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Gerhard Richter's first large-scale exhibition is set to open in May
From May to July 2008 the first large-scale exhibition in China of works by Gerhard Richter will be taking place at NAMOC. This retrospective will demonstrate the many stylistic phases and different themes in the work of the artist, placing them in relation to one another and enabling a multi-faceted dialogue to take place among them. Gerhard Richter himself has selected the exhibits and designed the rooms for the exhibition. His works have had a remarkable influence on the young generation of Chinese artists.
This exhibition is a joint project of the Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, the Collection Frieder Burda and the Collection Georg Bockmann in cooperation with the Bayerische Staatsgemaldesammlungen, Munich and the Staatliche Museen zu Berlin, and NAMOC.
From May to July 2008 the first large-scale exhibition in China of works by Gerhard Richter will be taking place at NAMOC. This retrospective will demonstrate the many stylistic phases and different themes in the work of the artist, placing them in relation to one another and enabling a multi-faceted dialogue to take place among them. Gerhard Richter himself has selected the exhibits and designed the rooms for the exhibition. His works have had a remarkable influence on the young generation of Chinese artists.
This exhibition is a joint project of the Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, the Collection Frieder Burda and the Collection Georg Bockmann in cooperation with the Bayerische Staatsgemaldesammlungen, Munich and the Staatliche Museen zu Berlin, and NAMOC.
Gerhard Richter, Motorboot, 1965
Sculpture exhibitions of Hua Tianyou and Sun Jiabo opened
Two sculpture exhibitions were unveiled on March 27, namely, "Times Dignity-Hua Tianyou Donation Exhibition" and "Episode Diary-Sun Jiabo Sculpture Exhibition". And they will be on display at the National Art Museum of China until April 5.
The family members of Hua Tianyou have donated 23 pieces of works to the museum. His exhibition showcases important works all his life and some precious history pictures.
Born in Huaiyin in southeast China's Jiangsu Province, Hua Tianyou (1901-1986) was devoted to sculpture creation after graduated from the Paris Art College. He made a great contribution to creating the mixed style through combining Chinese concepts with Western skills. He was the first director of the sculpture major in Central Academy of Fine Arts. His works was honored in the French Spring Salon Exhibition for several times and some have been collected by the Paris municipality and the National Contemporary Art Museum of France.
Sun Jiabo, an outstanding sculpturer, was once taught by Hua Tianyou and has been a teacher and the first doctoral tutor in the sculpture major in Central Academy of Fine Arts. He has made unremitting efforts in the sculpture field especially the traditional wood sculpture.
Two sculpture exhibitions were unveiled on March 27, namely, "Times Dignity-Hua Tianyou Donation Exhibition" and "Episode Diary-Sun Jiabo Sculpture Exhibition". And they will be on display at the National Art Museum of China until April 5.
The family members of Hua Tianyou have donated 23 pieces of works to the museum. His exhibition showcases important works all his life and some precious history pictures.
Born in Huaiyin in southeast China's Jiangsu Province, Hua Tianyou (1901-1986) was devoted to sculpture creation after graduated from the Paris Art College. He made a great contribution to creating the mixed style through combining Chinese concepts with Western skills. He was the first director of the sculpture major in Central Academy of Fine Arts. His works was honored in the French Spring Salon Exhibition for several times and some have been collected by the Paris municipality and the National Contemporary Art Museum of France.
Sun Jiabo, an outstanding sculpturer, was once taught by Hua Tianyou and has been a teacher and the first doctoral tutor in the sculpture major in Central Academy of Fine Arts. He has made unremitting efforts in the sculpture field especially the traditional wood sculpture.
viernes
The Cisneros FontanalsArt Foundation
THE CISNEROS FONTANALS ART FOUNDATION PRESENTS NEW WORK BY RECIPIENTS OF THE 2008 GRANTS AND COMMISSIONS AWARDS IN ITS NEW EXHIBITIONInterrogating Systems: 2008 Grants and Commissions Exhibitionhttp:// www.cifo.org
Amilcar PackerVídeo #15, 2008Two channel video installation25:21 min.Courtesy the artist
THE CISNEROS FONTANALS ART FOUNDATION PRESENTS NEW WORK BY RECIPIENTS OF THE 2008 GRANTS AND COMMISSIONS AWARDS IN ITS NEW EXHIBITIONInterrogating Systems: 2008 Grants and Commissions Exhibitionhttp:// www.cifo.org
Amilcar PackerVídeo #15, 2008Two channel video installation25:21 min.Courtesy the artist
El Cyberlounge del Museo Tamayo Arte Contemporáneo presenta a
JAMES PATERSON (Londres, 1980) / obra digital
© JAMES PATERSON / http://rs6.net/tn.jsp?e=001q4DjpTcxDW7ZGIFqGMJjPwHc-_N15kswQE1Iw9olYBboKyWBuvuNtGqJHvR9NuMyDmiE-dSioZFD89aA91YPfR6TZvkJU56kEsptnIG8t9iJY48eHTzsbw==
PRESSTUBE.
El artista realizará un performance inaugural el 14 de mayo de 2008 a las 20:00 horas en el Cyberlounge del Museo Tamayo Arte Contemporáneo.
Dibujante, animador y programador, James Paterson (Londres, 1980) ha creado una extensa obra digital poblada por seres oníricos que son y dejan de ser, que surgen, existen, mutan y se reencuentran inesperadamente. En su sitio http://rs6.net/tn.jsp?e=001q4DjpTcxDW7ZGIFqGMJjPwHc-_N15kswQE1Iw9olYBboKyWBuvuNtGqJHvR9NuMyDmiE-dSioZFD89aA91YPfR6TZvkJU56kEsptnIG8t9iJY48eHTzsbw== están reunidas diversas animaciones interactivas compuestas por elementos orgánicos que se transforman incesantemente.
Definido como un diario ilustrado, presstube.com está basado en una “programación humanizada”, resultado de la combinación de procesos tradicionales de creación artística -que en el caso de Paterson incluyen el uso de lápices y papel- con alta tecnología contemporánea -como el escáner y el programa de animación Flash/ Actionscript.
Presstube es también un espacio de Paterson para explorar sus intereses, problemas, deseos y sueños; un lugar para confesiones sobre asuntos vergonzosos o desconcertantes y para proclamaciones de amor y admiración. Es también un sitio para el desfile de elementos de su conciencia así como para la diarrea gráfica y el dibujo autómata.
Radicado actualmente en Montreal, Canadá, James Paterson ha logrado reconocimiento internacional con su propuesta estética, fuertemente basada en el flujo y la dinámica evolutiva de situaciones. Ha presentado su trabajo en: Centre Pompidou, en París; Museum of Contemporary Art, en Taipei; Institute for Contemporary Arts, en Londres; Seoul Museum of Art, en Korea; Israel Museum, en Jerusalem; Centro de Cultura Contemporánea, en Barcelona, entre otros.
De acuerdo con Arcángel Constantini, comisario del Cyberlounge, el trabajo formal y obsesivo, propio de las técnicas tradicionales del dibujante/animador, es afectado de manera dinámica en el trabajo de Paterson por las variaciones algorítmicas implementadas en el código y la baja resolución vectorial del píxel como sustituto del carbón.
El flujo en la obra de Paterson -añade el comisario- está formal y metafóricamente ligado a la manera como se dispersa en la red, ya que se disemina hasta lo más recóndito de ésta y sorprende a conocedores e iniciados que interactúan en su construcción y apreciación estética.
Después de realizar estudios en la Nova Scotia College of Art and Design en Canadá, el artista se mudó a Nueva York en 1997, donde empezó a experimentar con las herramientas proporcionadas por Flash 2, al tiempo que comenzó a explotar sus capacidades gráficas y de programación para lanzar el sitio presstube.com en 2000.
Este sitio Web es inicialmente concebido para creaciones en colaboración, sin embargo, al paso del tiempo se convirtió en el espacio particular de Paterson, que funciona como un libro de bocetos, un lugar donde su obra es resguardada a diario mediante una interface-obra que permite a los usuarios, de un modo ágil, vislumbrar la capacidad creativa del autor.
James Paterson ha realizado parte de su obra en colaboración con Amit Pitaru, músico y programador de http://rs6.net/tn.jsp?e=001q4DjpTcxDW7NytvnuF-SHGzyGiRH0QQpDiwzrv36s8S_NY3bpCQ4DrXzZZre80NkeJT0KtqBv2MdcrzKeCl_e-vF7lO11PbS0SBfckJWslm8VvhMYxBu6g== con el proyecto http://rs6.net/tn.jsp?e=001q4DjpTcxDW6A3MOuYdboqcVZDiCecy4_U7yGq7B48kid5sDCZTH9k1TrrVZfR6y8mUnEjRZzlci2xb9y5N81IV_xylLshkoxirD5-GR9xtV0lzKwduJ0aSameb1vMQ6q.
•
MUSEO TAMAYO ARTE CONTEMPORÁNEOreforma y gandhi s/nbosque de chapultepecméxico, d.f.tel. +52 (55) 5286 6519info(arroba)museotamayo.orghttp://rs6.net/tn.jsp?e=001q4DjpTcxDW4bZWFgFeHk57T1ijj3qKV8qbqeAvSbJArjrKgNWe9i4AQj5rohH8d0XzanIfSdfbpDheJSVjHBIt-kzZG80sY-BCjHfAdifin2dzQESlT6gQ==
arte contemporáneo méxico, américa latina y españaméxico, d.f. / tel. +52 (55) 5273 4682
powered by arteven.com
JAMES PATERSON (Londres, 1980) / obra digital
© JAMES PATERSON / http://rs6.net/tn.jsp?e=001q4DjpTcxDW7ZGIFqGMJjPwHc-_N15kswQE1Iw9olYBboKyWBuvuNtGqJHvR9NuMyDmiE-dSioZFD89aA91YPfR6TZvkJU56kEsptnIG8t9iJY48eHTzsbw==
PRESSTUBE.
El artista realizará un performance inaugural el 14 de mayo de 2008 a las 20:00 horas en el Cyberlounge del Museo Tamayo Arte Contemporáneo.
Dibujante, animador y programador, James Paterson (Londres, 1980) ha creado una extensa obra digital poblada por seres oníricos que son y dejan de ser, que surgen, existen, mutan y se reencuentran inesperadamente. En su sitio http://rs6.net/tn.jsp?e=001q4DjpTcxDW7ZGIFqGMJjPwHc-_N15kswQE1Iw9olYBboKyWBuvuNtGqJHvR9NuMyDmiE-dSioZFD89aA91YPfR6TZvkJU56kEsptnIG8t9iJY48eHTzsbw== están reunidas diversas animaciones interactivas compuestas por elementos orgánicos que se transforman incesantemente.
Definido como un diario ilustrado, presstube.com está basado en una “programación humanizada”, resultado de la combinación de procesos tradicionales de creación artística -que en el caso de Paterson incluyen el uso de lápices y papel- con alta tecnología contemporánea -como el escáner y el programa de animación Flash/ Actionscript.
Presstube es también un espacio de Paterson para explorar sus intereses, problemas, deseos y sueños; un lugar para confesiones sobre asuntos vergonzosos o desconcertantes y para proclamaciones de amor y admiración. Es también un sitio para el desfile de elementos de su conciencia así como para la diarrea gráfica y el dibujo autómata.
Radicado actualmente en Montreal, Canadá, James Paterson ha logrado reconocimiento internacional con su propuesta estética, fuertemente basada en el flujo y la dinámica evolutiva de situaciones. Ha presentado su trabajo en: Centre Pompidou, en París; Museum of Contemporary Art, en Taipei; Institute for Contemporary Arts, en Londres; Seoul Museum of Art, en Korea; Israel Museum, en Jerusalem; Centro de Cultura Contemporánea, en Barcelona, entre otros.
De acuerdo con Arcángel Constantini, comisario del Cyberlounge, el trabajo formal y obsesivo, propio de las técnicas tradicionales del dibujante/animador, es afectado de manera dinámica en el trabajo de Paterson por las variaciones algorítmicas implementadas en el código y la baja resolución vectorial del píxel como sustituto del carbón.
El flujo en la obra de Paterson -añade el comisario- está formal y metafóricamente ligado a la manera como se dispersa en la red, ya que se disemina hasta lo más recóndito de ésta y sorprende a conocedores e iniciados que interactúan en su construcción y apreciación estética.
Después de realizar estudios en la Nova Scotia College of Art and Design en Canadá, el artista se mudó a Nueva York en 1997, donde empezó a experimentar con las herramientas proporcionadas por Flash 2, al tiempo que comenzó a explotar sus capacidades gráficas y de programación para lanzar el sitio presstube.com en 2000.
Este sitio Web es inicialmente concebido para creaciones en colaboración, sin embargo, al paso del tiempo se convirtió en el espacio particular de Paterson, que funciona como un libro de bocetos, un lugar donde su obra es resguardada a diario mediante una interface-obra que permite a los usuarios, de un modo ágil, vislumbrar la capacidad creativa del autor.
James Paterson ha realizado parte de su obra en colaboración con Amit Pitaru, músico y programador de http://rs6.net/tn.jsp?e=001q4DjpTcxDW7NytvnuF-SHGzyGiRH0QQpDiwzrv36s8S_NY3bpCQ4DrXzZZre80NkeJT0KtqBv2MdcrzKeCl_e-vF7lO11PbS0SBfckJWslm8VvhMYxBu6g== con el proyecto http://rs6.net/tn.jsp?e=001q4DjpTcxDW6A3MOuYdboqcVZDiCecy4_U7yGq7B48kid5sDCZTH9k1TrrVZfR6y8mUnEjRZzlci2xb9y5N81IV_xylLshkoxirD5-GR9xtV0lzKwduJ0aSameb1vMQ6q.
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Para repudiar el nuevo Guggenheim
Sobre el Museo Guggenheim en Guadalajara (México)
La construcción de un nuevo Guggenheim en Guadalajara (México), el primero en Latinoamérica, es un hecho. Después de haber concursado con Jean Nouvel (Ateliers Jean Nouvel) y Hani Rashid y Lise Anne (Couture de Asymptote), el proyecto ha quedado a cargo del arquitecto mexicano Enrique Nortem (TEN Arquitectos). El museo se ubicará al norte de la ciudad, a las orillas de la Barranca de Huentitán, se preveé que su construcción tendrá un costo de 285 millones de dólares, el más caro entre los Guggeheim ya existentes, y será inaugurado en 2011.
NIZAIA CASSIÁN YDE El museo llega a Guadalajara como una promesa de fuerza regeneradora, renovación y progreso, remedio de todos los males en la ciudad. Los discursos con que se ha pretendido vender el museo a la sociedad rayan en un cinicismo e hipocresía por lo demás bastante obvios y poco elegantes: ‘acto de curación artística que convertirá a la ciudad en faro de luz a escala mundial’, han dicho empresarios y voces oficiales de la Secretaría de Turismo. El proyecto merece desconfianza y problematización de los modelos de cultura en los que se sustenta, en concreto de la promoción de una cultura atada al turismo, de la turistización de la experiencia urbana. Para el tema llega muy a cuenta el libro de Iñaki Esteban, publicado hace algunos meses en la Colección Argumentos de Anagrama: El efecto Guggenheim. Del espacio basura al ornamento. Partiendo de la noción de ‘ornamento’ en Loos y Kracauer, Esteban realiza un recorrido crítico por la historia del Guggenheim en Bilbao analizando las funciones que han sido atribuidas al museo: urbanísticas (de limpieza, regeneración y estetización del escenario que lo alberga), económicas (con el turismo y empresas relacionadas) y de filiación y legitimación política. El Guggenheim como ornamento apunta al tipo ideal de una cultura en la que su valor se mide por la capacidad de dinamizar la economía y la política, de generar grandes ingresos, de turistas, de acontecimientos sociales, de publicidad y de relaciones públicas.‘Deme su “Grand Canyon” y nosotros le ponemos un museo’, deben haber ofrecido. El Ayuntamiento de Guadalajara ha donado un terreno de 64 mil 413 metros cuadrados al borde de la Barranca de Huentitán, área natural protegida al norte de la ciudad. Esta zona que hasta ahora constitutía el Parque Mirador Independencia, con un costo de casi 63 millones de euros, ha sido cedida a la fundación que gestiona el proyecto sin previa consulta ciudadana. Privatización de un espacio de reacreación hasta ahora usado popularmente por los tapatíos (gentilicio de Guadalajara). La supuesta reactivación de la zona norte de la ciudad debe traducirse como la privatización de lo que hasta ahora era un parque público de gran valor ecológico y que con el museo permitirá generar desarrollo inmoliario de alto estandar en una zona anteriormente ‘desaprovechada’. En las inmediaciones del Guggenheim se pretende construir el proyecto Puerta Guadalaja, ‘un complejo arquitectónico cultural, residencial, corporativo y recreativo’ inspirado en el 22@Barcelona y para el que también se han cedido terrenos al corporativo valenciano Mecano Levante.
¿Para quién será el museo? Pensemos, se ha anunciado que la entrada tendrá un costo de poco más de 8 euros, precio similar al resto de los Guggenheim que al contextualizarse en México en pesos resulta ridículo y violento. El salario mínimo por día de jornada completa en el país... es de 3 euros. Obviamente, el museo será para los turistas. Por otro lado, del costo total de construcción del proyecto (285 millones de dólares) se ha dicho que un cincuenta por cierto será de inversión privada y el otro tanto lo aportará el gobierno federal. También de fondos públicos deberán cubrirse los gastos anuales de operación del museo que por referencia a otros Guggenheim podrían rondan los 30 millones de dólares, que comparados con los gastos de otros centros de arte contemporáneo del país, cuestionan la absurda relación altos costos-mínimo impacto cultural del nuevo museo. Museos como el Carrillo Gil en D.F, uno de los más importantes del país en arte contemporáneo, requieren un millón de dólares anuales para su gestión. Con la construcción del nuevo Guggenheim se ha dado la espalda a proyectos básicos hasta ahora inexistentes o sumidos en la precariedad: centros de formación artística de calidad no restringidos a la Ciudad de México, la creación de una red de medianas instituciones que generen espacios de trabajo e intercambio a nivel nacional y que contribuyan a la descentralización actual. Carlos Ashida, director del Carrilllo Gil, lo ha resumido claramente, la construcción del Guggenheim es una claudicación, la entrega a una institución extranjera de derechos y recursos para determinar los modelos artísticos de nuestro país.Es una pena que entre los argumentos contra la construcción del nuevo Guggenheim se escuche un erróneo y reduccionista “no debería invertirse en un museo así, en México aún no estamos listos para ello”. El problema radica en el ‘aún’, en él subyace una supuesta carencia y a la par la noción de una única forma de cultura hegemónica que los mexicanos habrían de alcanzar y aprender, unívoca, de formatos que se reducen a la contemplación, a la sacralización violenta y restrictiva de lo que es y lo que no es arte, a la Historia del Arte así con mayúsculas. ¿Qué habríamos de entendender con este argumento? ¿Que México estará preparado para tener un Guggenheim únicamente una vez que se hayan cultivado y adoptando pasivamente modelos dominantes (siempre de importación)? Menospreciación de lo local acompañada de una veneración pasiva y acrítica de productos y discursos provenientes del extranjero, negligentemente propiciados por las instituciones y sus grandes proyectos. Entre los precursores del nuevo Guggenheim ronda una ideología traicionera que astutamente ha pasado por alto las muestras de lo cultural tanto a nivel local como nacional, prefiendo apostar por un ‘kit’ ya fabricado que como por magia y sortilegio contagiará al resto de la ciudad con su brillo. Creencia mitológica, confianza en el halo milagroso de la recuperación urbanística y cultural, el Guggenheim como gran símbolo que salvará a la ciudad de la opacidad e ignorancia.Han dicho: El Guggenheim complementará una infraestructura turística, “proyectándola como una ciudad en que se conjugará tradición y modernidad”. Remitiéndose constantemente al ‘modelo Barcelona’ puesto en marcha con motivo de los Juegos Olímpicos, se ha aprovechando en el caso de México el impulso de los Juegos Panamericanos que habrán de celebrarse en Guadalajara también en 2011. El Guggenheim hace mancuerna avalado por instituciones y empresas que proyectan arreglos en la ciudad resaltando aspectos estratégicos, fabricando íconos y creando identificaciones para dotar a la ciudad de una atmósfera cultural. Desfilando en un flujo que produce dinero y generando un espacio estratégicamente diseñado, a decir de Manuel Delgado la Historia, la Cultura, el Arte y la Arquitectura conforman las nuevas divinidades oficiales en nombre del turismo cultural.La construcción del Guggenheim en Guadalajara se ha visto acompañada por diversos proyectos urbanísticos: el ya mencionado Puerta Guadalajara, el plan Guadalajara 2020 y otras reformas relacionadas con los Juegos Panamericanos que pueden resumirse en la implantación de un modelo de ciudad cultural. Hoy en día turismo y cultura se traslapan y es difícil distinguir una frontera clara entre ellos, no sólo para quienes viajan, sino también para los habitantes de la urbe, esto es la turistización de la vida urbana, de la ciudad. Actualmente turismo y cultura, entendiéndose ésta última en su sentido más amplio (y vago), no pueden ser mantenidos a la distancia en la experiencia urbana. Habitante y turista serán ‘cultivados’, ‘culturalizados’, ‘ilustrados’, su recorrido por la ciudad implicará una supuesta búsqueda de lugares y experiencias que le educarán justificando la motivación de las políticas culturales hacia su ser mejor persona, ‘persona de mundo’. ‘La cultura’ en Guadalajara como cosa abierta, viva y que de si acontece está siendo coptada por instituciones que la regulan, la normalizan, la ‘emebellecen’ y la restringen a ciertas prácticas que hacen de lo cultural un cultural imperativo, pautado y ante todo de grandes formatos espectaculares. El espacio público se va convertiendo en el “espacio del público” en el del espectador, aquel que acude a la contemplación de unos espacio y una cultura que no habita, sino que como el turista, visita.El turismo cultural evidencia una promoción de la cultura que explicita y hace suya la tarea de mejorar la condición de saber del sujeto. Encontramos aquí el modelo de una ciudad cuyo fin es el de educar entreteniendo para el que deberá de crear una red de museos, centros culturales y eventos. ¿Pretendo señalar que esta intención pedagógica es negativa, cuando hoy en día ‘educación’ y ‘cultura’ son valores irrefutables y benéficos per se? Sí y precisamente por la aceptación no cuestionada de su imperativo, por la recurrente puesta en marcha de modelos de ciudad para la institucionalización, museización y coptación de lo creativo.Habría que dejar claro: primeramente el proyecto del Guggenheim en Guadalajara no responde a intereses culturales, sino económicos. En segundo lugar, el museo no ha sido pensado para los ciudadanos, sino para el turismo generando un modelo estetizado de ciudad cultural. Tercero, su estrategia urbana no será de revitalización para la ciudad, sino de privatización del patrimonio para la especulación de la zona. Por último, la vida cultural cotidiana no se verá enriquecida, sino que los actuales centros culturales públicos e independientes verán mermado el presupuesto y los apoyos (de por sí mínimos) para su gestión.
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TIMINGS : Tuesday - Saturday 11 AM - 6 PM
Masked figures each posed in dramatic isolation predominated in “Juggernaut,” Praneet Soi’s recent exhibition of painting and sculptural installations. An ongoing trope in Soi’s work, these hollowed eyes and concealed expressions are the starting point of the artist’s broadly defined social and political criticism. Rather than express unilateral partisanship or predetermined criticism, Soi intends that an open, multi-sided dialogue begin from his overtly politicized images.
The artist’s approach to global politics and history is informed by his education in both India and abroad. After earning a BFA and MFA at Baroda’s MS University, Soi completed a second MFA at the University of California, San Diego, and held residencies at Skowhegan in the US and the Rijksakademie in Amsterdam. Reflecting the breadth of Soi’s studies, “Juggernaut” was, on the surface, art historically literate and theoretically savvy, referring directly to a text by Walter Benjamin and modeling one series on Francisco de Goya’s canonical early 19th-century series “Disasters of War.”
The centerpiece and conceptual fulcrum for the exhibition was the fiberglass sculpture Angelus Novus (2007), a red female torso whose hands secure a pliable-looking mask over her entire face. Its title references an eponymous painting by Paul Klee, interpreted by Benjamin in his essay “On the Concept of History” as an icon of progress who confronts the future while turned toward the past. While the fragile figure in Klee’s work faces the viewer directly, expressing foremost the vulnerability of her position as an “angel of history,” as Benjamin calls her, Soi does not engage this fundamental aspect of his visual source, instead placing his angel on the ground, preventing the viewer from interacting with it directly in the same way that one might with Klee’s painting. He neglects also to reconcile the competing ideological threads in the Benjamin’s excerpt, which offers substantial evidence of the writer’s conflicted interests in Jewish mysticism and Marxism. Because of this, the connection of Soi’s angel to its self-declared historical precedents seems superficial and unresolved.
In an adjacent corner, Soi presented Disasters of War (2007), 12 delicate gray canvases which form a miniature-scale reinvention of Goya’s series except incorporating images from the contemporary media, including images of the recent scandal involving Iraqi prisoners tortured in US custody at Abu Ghraib. While the wartime reference to Goya is logical, Soi’s interpretation doesn’t rival the critical and emotive gravity of the earlier artist’s work.
Though the artist incorporates knowledge of art history and rhetoric here, “Juggernaut” came off as a series of disconnected references and shallow allusions. His images ultimately read as an indeterminate commentary on the plight of a conflicted, globalizing world, rather than perform as a successful opening to layered dialogues on contemporary events.
- Beth Citron
PRANEET SOI — Angelus Novus (2007) Fiberglass, 120 x 80 cm. Courtesy Project 88, Mumbai
The artist’s approach to global politics and history is informed by his education in both India and abroad. After earning a BFA and MFA at Baroda’s MS University, Soi completed a second MFA at the University of California, San Diego, and held residencies at Skowhegan in the US and the Rijksakademie in Amsterdam. Reflecting the breadth of Soi’s studies, “Juggernaut” was, on the surface, art historically literate and theoretically savvy, referring directly to a text by Walter Benjamin and modeling one series on Francisco de Goya’s canonical early 19th-century series “Disasters of War.”
The centerpiece and conceptual fulcrum for the exhibition was the fiberglass sculpture Angelus Novus (2007), a red female torso whose hands secure a pliable-looking mask over her entire face. Its title references an eponymous painting by Paul Klee, interpreted by Benjamin in his essay “On the Concept of History” as an icon of progress who confronts the future while turned toward the past. While the fragile figure in Klee’s work faces the viewer directly, expressing foremost the vulnerability of her position as an “angel of history,” as Benjamin calls her, Soi does not engage this fundamental aspect of his visual source, instead placing his angel on the ground, preventing the viewer from interacting with it directly in the same way that one might with Klee’s painting. He neglects also to reconcile the competing ideological threads in the Benjamin’s excerpt, which offers substantial evidence of the writer’s conflicted interests in Jewish mysticism and Marxism. Because of this, the connection of Soi’s angel to its self-declared historical precedents seems superficial and unresolved.
In an adjacent corner, Soi presented Disasters of War (2007), 12 delicate gray canvases which form a miniature-scale reinvention of Goya’s series except incorporating images from the contemporary media, including images of the recent scandal involving Iraqi prisoners tortured in US custody at Abu Ghraib. While the wartime reference to Goya is logical, Soi’s interpretation doesn’t rival the critical and emotive gravity of the earlier artist’s work.
Though the artist incorporates knowledge of art history and rhetoric here, “Juggernaut” came off as a series of disconnected references and shallow allusions. His images ultimately read as an indeterminate commentary on the plight of a conflicted, globalizing world, rather than perform as a successful opening to layered dialogues on contemporary events.
- Beth Citron
PRANEET SOI — Angelus Novus (2007) Fiberglass, 120 x 80 cm. Courtesy Project 88, Mumbai
:: http://www.pekinfinearts.com
Body Painting with Koe in Stockholm (back) C-Print, 2007 Click on image to enlarge
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Wu Shaoxiang 吴少湘b. 1957, Jiangxi ProvinceAbout the Artist
Wu Shaoxiang was born in Jiangxi Province, China, in 1957. Following the Cultural Revolution, he studied sculpture at the Jingdezhen Ceramics Institute and later completed a postgraduate degree at the Central Academy of Arts and Design in Beijing. A prominent figure in China’s New-Wave art movement, Wu also lectured at the Central Academy and was named one of China’s ten most influential avant-garde artists. In 1989, Wu and his family emigrated to Austria, where he established a studio with his wife, the sculptor Jiang Shuo. Having exhibited extensively in Asia, Europe and America, Wu’s works are widely collected by important museums and prestigious institutions worldwide.
In his latest works, Wu Shaoxiang unveiled a selection of new works exploring the theme of wealth and modern consumer culture. Not content with replicating the internationally acclaimed ‘Coining’ series, Wu continues to explore new forms of innovative sculptural representation. His new series, Walking Wealth, consists of life-sized human figures made out of bronze-cast US dollar notes. With their distinctive body language, these anonymous figures pose as witty commentaries on mankind’s endless pursuit of monetary gain. Here Wu once again showcases his ability to incorporate form and concept in new and striking ways – a brilliance that has distinguished him as one of the leading Chinese sculptors of his generation.
Achievements
Wu Shaoxiang was born in Jiangxi Province, China, in 1957. Following the Cultural Revolution, he studied sculpture at the Jingdezhen Ceramics Institute and later completed a postgraduate degree at the Central Academy of Arts and Design in Beijing. A prominent figure in China’s New-Wave art movement, Wu also lectured at the Central Academy and was named one of China’s ten most influential avant-garde artists. In 1989, Wu and his family emigrated to Austria, where he established a studio with his wife, the sculptor Jiang Shuo. Having exhibited extensively in Asia, Europe and America, Wu’s works are widely collected by important museums and prestigious institutions worldwide.
In his latest works, Wu Shaoxiang unveiled a selection of new works exploring the theme of wealth and modern consumer culture. Not content with replicating the internationally acclaimed ‘Coining’ series, Wu continues to explore new forms of innovative sculptural representation. His new series, Walking Wealth, consists of life-sized human figures made out of bronze-cast US dollar notes. With their distinctive body language, these anonymous figures pose as witty commentaries on mankind’s endless pursuit of monetary gain. Here Wu once again showcases his ability to incorporate form and concept in new and striking ways – a brilliance that has distinguished him as one of the leading Chinese sculptors of his generation.
Achievements
Jiang Shuo 蒋朔b. 1958, Beijing, China
About the Artist
Born in 1958 in Beijing, Jiang Shuo studied sculpture at the Central Academy of Arts and Design, which is now under Tsinghua University. As the first female sculptor in China, Jiang Shuo completed her master degree in 1985 and started her career in teaching sculpture at the Central Academy until 1989. With her husband Wu Shaoxiang, they migrated to Austria and worked at their joint studio there. Her works have been widely exhibited around the world, especially in Europe.
Her latest works present the Red Guard Series of small delicate sculptures cast in the ancient lost wax technique. Each sculpture is an original and not an edition, from her expression; she bears witness to the irony of her generation's situation within Chinese society, straddling the extremes of revolution economic development.
The Red Guards work follows in her folk art style but with the injection of a political theme to grab people's attention. The almost faceless guards with their wide-open mouths recall the period of turmoil in China when the spouting of slogans and mindless indoctrination was the path to survival. The sarcasm continues for the materilization that these red guards criticized during the Revolution, have now become their goals, to be pursued today. Portrayed with modern and material icons such as cola cans, french fries, mobile phones, the guards have now engaged in trade and could hardly withstand the indubitable influence of popular culture. While examining that cultural juxtaposition faced by her generation, she has challenged herself as a sculptress to work with variations of scale and technique in order to enable her practice
Zodiac Figures 2006, Bronze, 30 cm Height
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